Top musique d'Edwood - 2010

Une longue aventure dans une autre dimension de la musique, une expérience unique. Les morceaux sont nommés par des dégradés de couleurs, ce qui est finalement très représentatif de l'œuvre elle-même. Les échos d'univers lointains bruissent sous des claquements et autres craquements formant une rythmique désincarnée, aussi présente que fantomatique. Plus loin ce sont d'étranges claviers terrifiants qui prennent en otage les conduits auditifs ; et si, pendant un instant, une mélodie guillerette s'est faufilée dans les méandres d'une machine infernale, c'est pour mieux annoncer de longs silences peuplés de frémissements synthétiques qui expriment mieux que toute définition ce que les termes fascinants et envoûtants représentent. On a parlé de musique du 3e millénaire, de divertissement pour androïdes rêvant de moutons électriques, c'est un peu tout cela, et c'est bien d'autres choses. Aime-t-on ce disque ? Prend-on vraiment plaisir à traverser cet éther sonore et sonique ? Sans aucun doute. Certains auditeurs, peu préparés à l'écoute de cette dernière folie avant l'Apocalypse, en seront pour leur frais, noyés dans des océans d'ennui ; les autres auront depuis longtemps enfoncé la touche replay et passeront plusieurs dizaines d'écoutes en boucle avant de se rendre compte qu'il y a un second disque.

L'archétype du disque parfait, rien à jeter, tout à admirer, à chérir, à passer en boucles quand la déprime guette. A écouter les soirs de paix en été, vous savez, quand le jour s'enfuit lentement, très lentement, et qu'une brise chaleureuse joue sur votre visage et avec quelques petits nuages rôses qui rêvassent à l'horizon. Parallel Lines, à écouter seul, à deux, à plusieurs, seul à plusieurs, seul à deux, tout le temps, partout, quand cela va, quand cela ne va pas. Cet album rend meilleur. "Stars live in the evening but the very young need the sun...Your looks are larger than life... Petite ingenue I fell in love with you..."

Tout, absolument tout. Rien n'est plus drôle, rien n'est plus émouvant. Rien n'est plus obsolète et rien n'est plus moderne. Hors du temps et des modes, dans la vérité du coeur.

Je ne sais pas ce qui est objectif à propos de Kate Bush. Sa musique a-t-elle mal vieilli ? Son romantisme à fleur de peau est-il "too much" ? En fait-elle trop ? Ridicule ou génial à crever ? Pour tout vous avouer je m'en fous. Mais grave. Et avec virulence. Ou avec indifférence. Je me fous de ce que l'on peut ou doit penser de Kate Bush. Que chacun y trouve ce qu'il voudra bien y trouver. Et nul doute que chacun y découvrira ce qu'il aura amené, ce qu'il aura aimé, ce qu'il aura redouté, ce qu'il aura rêvé. Kate Bush vous déchire, vous recoud et vous laisse loin, très loin, plus près de tout.

Le plus émouvant des albums des années 2000 ? Technologie et écologie, déjà réconciliées, dans la mélancolie et l'espoir.

En alliant simplicité électronique, immédiateté pop, richesse thématique évidente et efficacité ludique, Kraftwerk prouve que la légende n'est définitivement pas usurpée. Non seulement ils ont presque tout inventé en leur temps, mais ils ont traversé les époques sans jamais effleurer la ringardise, sans jamais rien perdre de leur actualité. Car derrière les "bip" et les "plonk" se cachaient de grandes chansons, de celles qui restent gravées dans les mémoires. Plus que jamais le 21e siècle musical semble se construire auprès de l'ombre bienveillante de Kraftwerk.

On The Beach est-il vraiment le chef-d'œuvre de Neil Young ? Impossible à dire ! Le monsieur a accumulé tant de merveilles au fil de la plus exemplaire carrière de l'histoire du rock, que, non, impossible de choisir un seul album à classer au-dessus de tous les autres. On pourra passer en boucles tous les After The Gold Rush, Harvest, On The Beach, Tonight's The Night, Rust Never Sleeps, Freedom, Ragged Glory et autres lives de la trempe de Live Rust et Weld, sans jamais se lasser, sans jamais épuiser la richesse musicale et émotionnelle de ces œuvres à l'aura unique. On The Beach est avant tout un album méconnu, une cathédrale engloutie. Sa force lyrique, la poésie de ses compositions, en font un sommet à redécouvrir absolument.

Neko Case est la voix ! Son organe transcende tout. Quand elle s'offre en prime des chansons parfaites, difficile d'arriver à sa cheville. Middle Cyclone possède les hymnes pour notre temps, récits de retour à la nature et de menaces primitives.

La fascination exercée par ce disque est sans doute indescriptible. C'est un maléfice, un vampire, une obsession. Tragique et comique, sublime et grotesque, entièrement porté par la voix et les textes de Jeff Mangum, In The Aeroplane Over The Sea est une oeuvre unique, un délire traumatisant évoquant la vie, l'amour, la mort et surtout la Shoah en des métaphores aussi charnelles que bouleversantes. Chaque parole est ainsi dotée d'une force quasi sans équivalent dans l'histoire du rock et cette poésie surréaliste redéfinit à chaque instant le concept d'épidermique. Jeff Mangum peut faire frissonner, faire pleurer, inquiéter et émouvoir. En particulier lorsqu'il pousse ce qui est peut-être le cri le plus déchirant jamais gravé sur un disque : "We know who our enemies are". Créature inimaginable d'un artiste littéralement fou, In The Aeroplane Over The Sea vient nous rappeler ce que la musique peut nous offrir de plus essentiel, de plus intime, et ce que les mots peuvent nous évoquer, nous murmurer directement dans l'âme, sans céder aux clichés, sans céder à la dictature du sens. Et l'auditeur de laisser son inconscient se repaître dans les méandres de cette oeuvre libre, troublante, insoutenable et inconcevable

La mélancolie est-elle le sentiment le plus propice à la création artistique ? A l'écoute de Five Leaves Left, le plus émouvant des premiers albums et peut-être le plus beau disque de l'histoire de la pop, on serait tenté de répondre par l'affirmative. La voix profonde et douce de Nick Drake est un délice aussi rassurant que tétanisant de tristesse. Sur des arrangements discrets qui transcendent des chefs-d'oeuvre tels que River Man ou Fruit Tree, Nick Drake pose ses inimitables arpèges de guitare, comme autant de caresses, comme autant de rêveries solitaires. Et, délicatement dissimulée au sein de l'album, on effleure la plus céleste des chansons, le cristallin Day Is Done, bande son douce-amer des instants nostalgiques, pour pleurer avec un léger sourire sur les lèvres...

Il est ainsi des disques qui font partie de notre histoire personnelle alors que rien ou presque ne les y destinait de prime abord. Si l'on s'attache bien souvent à une œuvre c'est qu'elle "parle" de notre vie à un instant précis, c'est qu'elle "représente" un être cher ou bien encore qu'elle nous "représente". Sans le moindre temps mort, sans le moindre point faible, toujours plus haut dans les constellations de la perfection, les Pixies nous déposent au 7e ciel, nous léguant un testament inépuisable, à écouter en boucle toute une vie pour retrouver les sensations d'un voyage spatial, non, mieux ! Trompe Le Monde est le disque qui donne l'impression d'un rêve de vol au-dessus des montagnes.

L'album le plus intelligent et le plus sensible de ma discothèque, raison et sentiments, enfin réconciliés, un miracle, un vrai, que tout le monde peut expérimenter, chaque jour, chaque heure, chaque minute. Vous ne pouvez pas vivre sans ce disque.

De Pulp, il faudrait tout avoir. Ou du moins ces quatres albums : His'n'Hers, Different Class, This is Hardcore et We love Life. Quatre disques pour comprendre pourquoi ce groupe peut à ce point nous parler. La vie comme elle est. Mesquine, cruelle, hilarante, tendre...

L'auditeur qui est "entré" dans Juju, qui a dansé dans la lumière des ténèbres, qui a erré sur la lande avec les sœurs de la nuit, qui a été fasciné par la cérémonie vaudou mené par la poupée qui vous tuera si vous ne la tuez pas avant. Cet auditeur ne pourra plus jamais s'échapper de Juju, condamné à y revenir, encore, encore, et toujours, sans se lasser, mais il ne peut plus se lasser, possédé qu'il est par cette musique d'une intensité mystérieuse.

De la pop, de la pop scandinave, de la pop "pure", donc, comme on dirait d'une drogue. Juste des chansons, rien que des chansons, avec des mélodies immenses, des refrains de dingue et des idées tout partout. C'est adorable.

Le rock pas mort ! Tout ce que l'on peut faire avec une guitare, une basse, une batterie et des hurlements féminins orgasmiques. Let's call it love ? Et même bien davantage !

On aime cet album sans l'aimer, on l'adore tout en le détestant. On se passe en boucle Heaven pour s'envoler et se faire encore plus mal. Réécouter Fear Of Music aujourd'hui, c'est être cloué par le fait que l'album n'a pas pris une ride. C'est retrouver encore et toujours ce malaise si délicieux, cet effroi si passionnant. Et oui, bien sûr, tout est dans le titre, rarement album aura aussi bien porté son nom. Fear Of Music. Vous allez acheter ce disque, vous n'avez pas le choix. Le conseil ? L'écouter seul, au calme absolu, dans le noir. Et vous allez comprendre, et vous aussi, vous aussi, vous n'en reviendrez jamais.

Il est tout simplement impossible de prétendre pouvoir parler de rock sans le connaître par cœur. Comment être plus clair ? Si vous n'avez pas London Calling dans votre discothèque, vous n'avez aucun disque dans votre discothèque. Là. Voilà. Un point, c'est tout.

Écouter de la musique pour la première fois. Être surpris à chaque note. Être amusé et ému. Bêtement et miraculeusement. Sans la moindre once de cynisme ou de lassitude. Véritable fresque intime, Blueberry Boat intrigue autant qu'il charme, en ne reculant ni devant les errances les plus abstraites, ni devant les mélodies les plus évidentes. Pour mieux créer un tout cohérent, aussi monumental dans sa totalité que délicat dans son détail. Blueberry Boat est une fête foraine, qui virevolte, qui clignote, qui effraie, qui émerveille, qui chuchote, qui bondit et qui en-chante mieux que tous les autres...

Si l’aspect expérimental de la démarche de The Knife est évident, elle est rendue abordable par la simplicité des arrangements synthétiques et par l’efficacité mélodique de l’écriture. Les manipulations sonores couplées à l’immédiateté d’une musique très rythmée créent une ambiance fascinante et un vrai ludisme. Ouvrez le coffre aux trésors. Ces gens font cohabiter Like a Pen, Forrest Families et One Hit au sein du même disque. Sont pas biens dans leur tête et c'en est miraculeux.

Cet album est un mythe, une œuvre d'art totale qui demeure encore aujourd'hui franchement révolutionnaire. Tout ce qui s'est fait dans le rock depuis 1967 est là.

Cette douceur dans la violence, ces percées de tendresse qui font de Tom Waits un gros ours craquant. Rain Dogs ? Un disque qui déborde. D'histoires, de sons, d'ambiances... La générosité et le sublime.