Renaud – Rouge Sang

        Il y a des disques, comme ça, qui provoquent des cas de conscience inattendus. Difficile de ne pas vouloir parler du nouvel album de Renaud après la belle résurrection qu’était Boucan d’Enfer, mais en même temps le fiasco désolant qu’est Rouge Sang donnerait plutôt envie de se taire et de passer silencieusement son chemin. Si on avait déjà l’habitude de la pauvreté musicale de l’univers de Renaud (des gros rocks de variétés ici, des petites mélodies au piano là, un peu de folklore pour les chansons vaguement ethniques), on est davantage surpris par le désert littéraire de textes parfois embarrassants (les douloureux Bobos, le gâteux J’ai Retrouvé Mon Flingue, le vulgaire Leonard’s Song). Pire, la majorité des chansons reposent sur des enchaînements de lieux communs et de rimes primitives, le néant qui déborde de Elle est Facho, Nos Vieux, Pas de Dimanches ou bien encore A la Teloche s’avère rapidement exaspérant. Lorsque Renaud pastiche Souchon sur le bien nommé Sentimentale Mon Cul, ce n’est plus de la gêne qui nous saisit mais une vague pitié. Le chanteur se donne en spectacle de manière embarrassante, radotant des bêtises sur sa nouvelle copine ou s’autoparodiant jusqu’à plus soif. La liste des griefs étant interminable, je réalise que le silence est finalement la plus sage des solutions. Oubliez l’existence du dernier Renaud, vous éviterez un gros coup de blues.

Asobi Seksu – Citrus

        L’année dernière, j’écrivais en ces pages à peu près ceci : « un groupe de rock actuel sur deux sonne comme un rejeton de My Bloody Valentine ». Dès les 17 secondes d’introduction de Citrus, cette affirmation est une nouvelle fois de mise : mur de guitares qui font des vagues, production grandiloquente, maelstrom sonore à l’horizon, tout est là. La chanson d’ouverture, Strawberries, confirme largement l’impression première, la chanteuse japonaise a une petite voix qui convient très bien à une imitation du groupe de Kevin Shields. Certes, Asobi Seksu ne va pas se placer sur le terrain de l’originalité, mais plutôt sur celui de l’efficacité en faisant dériver de manière fort bienvenue la déprime du genre vers une pop bondissante et souvent purement réjouissante. Le final de Strawberries avec ces « na na na na » l’annonce, et c’est le très décomplexé New Years qui le confirme, Asobi Seksu adapte les sucreries japonaises aux codes du gros rock planant. On est déjà charmé, mais le juste merveilleux Thursday nous achève, il y a de la mélodie, du panache, un lyrisme rêveur, tout ce qui transforme une chanson aux oripeaux traditionnels en un petit trésor. Les arrangements ont beau être surchargé, le batteur cogner comme un damné, le groupe trouve toujours le petit détail qui vient faire respirer, qui fait s’envoler.

        Sur Strings la chanteuse Yuki Chikudate s’élance dans les aigus, flirtant avec la rupture de ton et le crime lèse-tympans, elle s’en approche sans jamais tomber dans le désagréable. Pink Cloud Tracer ressemble sans doute trop à ses modèles avoués (My Bloody Valentine, donc, mais aussi Jesus & Mary Chain) et c’est la longue progression hardcore de Red Sea qui vient donner un coup de fouet à l’album. Après cette errance bruitiste, le groupe enchaîne avec la plus évidente gâterie pop de l’album, le fantastique Goodbye, et nous voilà alors plus proche de Blondie que de l’assaut sonore. Le très posé Lions and Tigers, le bondissant Nefi+Girly et la jolie ballade Exotic Animals (qui s’épanche elle aussi dans un final criard) concluent l’album. La dernière chanson, le très court Mizu Asobi est à nouveau un miracle de légèreté énergique et primesautier. Asobi Seksu réinvente avec Citrus le plaisir du désordre, la grâce du bruit et redonne de la mélodie dans l’univers du discordant, avec pour résultat l’un des disques de l’année.

The Pipettes – We Are The Pipettes

        Année 2006 de notre ère, le voyage temporel fonctionne enfin, une courageuse équipe de producteurs musicaux sont envoyés en 1964 pour sauver de la disparition le plus grand « girl group » de l’histoire, les Shangri-Las, et les ramener dans le présent. Malheureusement au cours du voyage de retour, des mutations sont intervenues et les Shangri-Las du 21^e siècle, désormais surnommées les Pipettes, ont subi des changements, pas forcément évidents aux premiers coups d’oeil et d’oreille, mais indéniables. Déjà, elles ont abandonné leurs thèmes morbides pour une approche encore plus frontale de la sexualité (One Night Stand, Dirty Mind, Sex) sans pour autant renier leur verve (Your Kisses Are Wasted On Me, Why Did You Stay). Les Pipettes ont la vindicte collé au corps et aucune intention de se laisser marcher sur les pieds. De là à y entendre un renouveau du « girl power », marotte des années 90…

        L’emballage aussi a un peu évolué. Le mur du son de l’époque s’est affiné avec les techniques modernes, mais les échos et les déferlements de cordes sont toujours de mise. En fait, la véritable différence d’avec les années 60 résiderait dans un subtil changement d’ambiance, tout est pareil qu’à l’époque (ou presque), mais on sait que ce ne sont pas les Shangri-Las, on sait que l’innocence est perdue depuis longtemps et que les Pipettes sont des demoiselles de leur temps. Alors la fête est irrésistible (le monstrueux Pull Shapes, en piste pour le titre de single de l’année), on est charmé par la personnalité des filles (la chanson éponyme) et il y a même matière à s’émouvoir (Judy, la conclusion toute simple de I Love You). Bref, la machine à voyager dans le temps est parfaite, c’est aujourd’hui hier et l’on se délecte de la résurrection des clappements de mains en chœur.

Frank Black – Fast Man/Raider Man

        C’est devenu annuel, comme Noël, le 11 novembre et les films de Woody Allen, Frank Black sort son disque de country-rock. Mais comme le monsieur est gourmand, en 2006, l’album sera double, sans commettre l’erreur du diptyque Black Letter Days/Devil’s Workshop (qui avait divisé les ventes par deux), et donc en insérant les deux disques dans le même boîtier. On ne reviendra plus sur les vieilles litanies selon lesquelles il fut un temps (désormais très lointain) où Charles Thompson était le sommet de la créativité, tout cela n’a plus lieu d’être depuis au moins une décennie. A présent, Frank Black est devenu un label qualité en matière de rock’n’roll à l’ancienne, sans âge, un peu country, presque folk par moment, avec du rockabilly ici et des solos de saxophone comme chez Bruce Springsteen. Avouons-le, le songwriting du monsieur, associé à sa voix toujours aussi belle, nous offrent de très grands moments. La première moitié du premier disque de Fast Man/Raider Man est ainsi fort réjouissante, avant de sombrer peu à peu dans le répétitif. Il devient ainsi inévitable d’aborder l’œuvre par fragments, pour mieux apprécier la personnalité de chaque morceau, certains d’entre eux tenant du petit chef-d’œuvre (If Your Poison Gets You, Johnny Barleycorn, Elijah, Dirty Old Town, End of the Summer…).

        27 chansons, bien sûr, c’est trop, beaucoup trop, surtout que le second disque n’est pas du niveau du premier et que si on essaie de tout écouter d’affilé, cela tient du masochisme et on passe à côté des perles, noyées dans la masse. Frank Black pêche une nouvelle fois par complaisance, délitant son chef-d’œuvre dans une précipitation et une quantité qui prouvent une nouvelle fois qu’il se fait plaisir, mais qu’il se moque un peu du résultat final. Si Fast Man/Raider Man se bonifie au fil des écoutes, il lui manque l’étrangeté, le souffle, bref la flamme qui lui permettrait d’accrocher durablement l’auditeur. De la musique infiniment respectable, bien fichue, mais poliment ennuyeuse, gentiment inutile.

El Perro Del Mar - El Perro Del Mar

        Sarah Assbring est la chanteuse la plus triste du monde. Sa voix semble charrier des torrents de déprime, une résignation infinie devant les travers de l'existence, un renoncement face à la cruauté de l'amour. On peut se dire alors qu'avec un nom tel que El Perro Del Mar, ce disque est un grand moment de chants hispanisants pleins de douleur a cappella et de tangos coupants, et il n'en est pourtant rien. Sarah Assbring est suédoise, amie de Jens Lekman, et ne conçoit la musique que sous la forme de la pop la plus légère dans ses oripeaux et la plus acide dans son propos. Mais dès l'intro du premier morceau de l'album, on comprend: ce tambour qui scande le rythme, c'est un peu une version ralentie, dépouillée, du Be My Baby des Ronnettes. La voix surgit, fantomatique, comme une confession au bord du suicide, ça sent la solitude et les coeurs brisés, mais quand arrive le refrain ("She's gonna get some candy...") tout devient gracieux, aérien, frais comme l’insouciance. C'est ici que réside toute la beauté inestimable de ce disque: Sarah Assbring donne toujours l'impression de chanter en ayant à la fois les larmes aux yeux et un délicat sourire aux lèvres.

        À la deuxième chanson de l'album, le juste sublime God Knows, on se retrouve encore plus clairement dans l'univers des "girls groups" des années 60, avec cordes, saxophone, échos, choeurs et petit rythme onirique et sautillant. Sarah Assbring redéfinit les contours de la mélancolie en parvenant à nous faire croire qu'il est parfois très agréable d'être triste. Et c'est sans doute la morale de El Perro Del Mar, en particulier lorsque la chanteuse nous affirme que "This loneliness ain't pretty no more" avant de s'élancer sur les "la la la la la" du naïf et enthousiasmant It's All Good. La pop nordique, la plus pure et la plus décomplexée du monde (avec la pop japonaise, certes) n'est jamais aussi touchante que lorsqu'elle ajoute un peu de chagrin dans ses bulles de Champagne.

        Le second album de El Perro Del Mar est ainsi composé sur un équilibre d'une fragilité rare, car on n'a jamais entendu la ligne "Come on baby, there's a party going on" entonnée de manière aussi dépressive, Sarah Assbring parvenant à tirer la plus grande noirceur des clichés les plus niais et à enluminer les idées les plus ténèbreuses (comme avec le lancinant "All the feelings you have for me, just like for a dog"). Et il suffit de juste une demi-heure pour transformer ce recueil à l'atmosphère envoûtante, adorable et déchirante en un petit chef-d'oeuvre.

Danielson – Ships

        Voilà, le « buzz » est formel, le disque de 2006 c’est celui-ci. La preuve ? Danielson est un pote de Sufjan Stevens (qui fait un brin de figuration sur Ships), un multi-instrumentiste comme le petit gars du Michigan, un brave garçon un peu timbré qui fait de la pop comme on construit un grand 8. Bref, on est en plein carnaval, en pleine fête foraine, dans un délire parfaitement maîtrisé mais relativement imprévisible, qui fait se percuter plusieurs chansons en une seule, quitte à les faire exploser de l’intérieur. Ecoutons donc l’hallucinant Bloodhook on the Half Shell, les ambiances se chevauchent gaillardement, ça accélère, ça ralentit, on ne distingue plus vraiment la profusion d’instruments trop divers pour être catalogués, c’est drôle et un peu inquiétant à la fois, ça crie : « Chef-d’œuvre ! » pendant 5 minutes. Ships fera-t-il pour autant l’unanimité ?

        Non, parce qu’il y a un léger problème, Danielson a une voix fort particulière, aigue, acide, qui n’hésite pas à en faire trop, et qui provoquera sans nul doute des rejets aussi évidents que face au plus beau disque du monde, le Aeroplane Over The Sea de Neutral Milk Hotel. Si on n’adhère pas au timbre du chanteur, Ships risque de dissimuler sa splendeur mélodique et sa passionnante profusion d’idées toutes plus folles les unes que les autres. Mais qu’il est dommage de s’arrêter ainsi aux portes de cet album qui ne cesse de surprendre et d’inoculer d’excellents gimmicks. A ce niveau, l’euphorisant Did I Step On Your Trumpet pourrait bien devenir l’un des hymnes de 2006, et l’intro de Two Sitting Ducks est si bêtement drôle et entêtante qu’elle en devient jouissive.

        Ce mélange entre complexité des chansons et un sens de l’humour assez percutant (comme sur la conclusion hilarante de Five Stars and Two Thumbs Up) désamorcent complètement les possibles accusations de prétention à l’encontre de Danielson. Le bonhomme sait ainsi débuter un morceau dans le chaos quasi-total pour mieux l’apaiser, le déconstruire et le transformer en une perle rock adulte et tourmentée (Kids Pushing Kids) ou venir moucher Supergrass sur le terrain de leur Road To Rouen (He Who Flattened Your Flame). On réalise au fil des écoutes que Ships n’est pas un fourre-tout immature mais bien une pièce d’orfèvrerie musicale, très accessible, mais qui ne révèle ses secrets qu’au fil de nombreuses écoutes.

Neko Case - Fox Confessor Brings The Flood

        La country est un genre qui, de notre côté de l'Atlantique, a tendance à faire fuir l'auditeur avant même la première note. Considérée, souvent à juste titre, comme le "musette" des États-Unis, la country-music évoque immanquablement quelques cow-boys caricaturaux, à la voix nasillarde, aux banjos incontinents et aux violons grinçants, ainsi que des hymnes de l'Ouest poussiéreux ou de la mélancolie des rodéos péquenots. Mais se contenter des clichés, c'est évidemment oublier que le genre, de Neil Young à Frank Black en passant par Johnny Cash, aura offert des chefs-d'oeuvre inattendus, souvent échafaudés sur de subtils mélanges et de fragiles alchimies, quand le rock et le folk viennent prêter main forte à des archétypes fatigués. Certains éléments sont encore plus essentiels, car la country est une musique "de proximité", qui se conçoit auprès du feu de camp, dans un bar enfumé ou dans le réconfort d'une cabane isolée mais rassurante. Dans ses plus belles interprétations, cette musique a besoin de chaleur et de contact, et ne survit qu'à la force du charisme du chanteur, à l'âme qui habite les morceaux, à la puissance ou à la délicatesse de ce qui est conté. Le quatrième album de la chanteuse Neko Case regorge de toutes ces qualités requises, et s'affirme comme l'une des plus grandes réussites modernes du genre.

        Neko Case est loin d'être une inconnue en ces lieux. En effet, elle apparaît sur les albums studios des New Pornographers et elle a déjà transcendé certaines perles du groupe telles que The Laws Have Changed, The Bones of an Idol, The Bleeding Heart Show ou Stacked Crooked. Mais surtout, Neko Case, c'est une voix inoubliable, tétanisante, quasi inhumaine, pouvant aussi bien plonger dans des graves abyssaux que s'envoler dans des aigus cristallins, passer de la douceur à des trémolos imitant naturellement les artifices du "vocodeur".

        Ce qui trouble chez Neko Case c'est l'impression de puissance retenue qui habite chacune de ses notes, une force qui ne s'exprime que rarement, avec d'autant plus d'impact. La chaleur de son timbre, la maturité de sa sonorité et l'élégance de sa diction en font sans doute la plus fascinante chanteuse de la pop actuelle. Sur les 35 minutes de Fox Confessor Brings The Flood, la voix de Neko Case ne cesse de surprendre, de révéler des qualités toujours plus envoûtantes, idéalement servies par une production "cathédrale" qui enveloppe l'auditeur et le laisse... sans voix.

        Prenons par exemple la piste n°4, a Widow's Toast, une minute et trente secondes quasi a capella, Neko Case s'y dévoile sans détour, mais son chant, dénudé, n'est jamais vulnérable, au contraire, il domine, il surplombe l'auditeur dans son omniprésence et sa simplicité. La musique présente sur Fox Confessor Brings The Flood est toujours forgée dans les arrangements les plus classiques, qui brillent par leur discrétion et leur dévotion aux standards du genre, et pourtant ce sont les aspirations mélodiques et les circonvolutions parfois désarçonnantes des compositions qui élèvent l'écrin de la voix au niveau de cette dernière. Sur That Teenage Feeling, on navigue entre insouciance et inquiétude lointaine, sur l'irrésistible Hold On, Hold On, Neko Case réinvente l'épopée du western en même pas trois minutes et un solo de "steel guitar", sur la chanson éponyme ténèbres et éclaircies se mettent au service d'une histoire qui échappe totalement aux canons de la country, sur l'admirable Star Witness la chanteuse s'approprie les codes des pires rengaines pour les plier sous sa voix, et les accents les plus abruptes se font soyeux.

        C'est bien à une nouvelle forme de volupté musicale que nous invite la flamboyante rousse. Si la mélancolie est parfois palpable comme sur At Last, Fox Confessor Brings The Flood est avant tout un disque heureux, ludique, jamais étouffant ou complaisant. Pour preuve, le "tube de salles de billard", John Saw That Number, qui d'un thème religieux et d'une déférence absolue aux codes de la country parvient à éveiller un plaisir inédit. La conclusion sensuelle et nerveuse de The Needle Has Landed semble directement issue de la BO de Kill Bill tout en préservant l'aura de Neko Case, qui tout en donnant sa voix toute entière au plaisir de ses auditeurs épargne son glamour et son mystère. Mieux que n'importe quel autre artiste, l'américaine semble avoir trouvé la formule pour faire entrer un genre désuet dans une nouvelle jeunesse, entre respect et petites expérimentations. En jouant sur des paroles surréalistes et une imagerie décalée, Neko Case offre avant tout un généreux recueil de chansons faussement simple et la plus sublime démonstration de ses saisissantes prouesses vocales.

Euros Childs – Chops

        C’est avec intérêt et même un certain enthousiasme que l’on entame l’écoute du premier album solo de Euros Childs, chanteur et leader des excellents Gorky’s Zygotic Mynci, autrefois adorés en ces lieux pour leur chef-d’œuvre How I Long to Feel That Summer in my Heart. On ne fait donc pas vraiment attention à la petite introduction de moins d’une minute, Billy The Seagull, vague comptine enregistrée en vitesse comme une démo, et on préfère se dire que l’enjoué Donkey Island sera plus représentatif de l’ensemble de l’album. On se trompe. Car les petits interludes vont en fait s’intercaler entre quasiment chaque chanson, comme autant de « possibilités », et l’on doit se contenter de morceaux inachevés, que l’on zappe rapidement tant leur intérêt se révèle extrêmement restreint. Quitte à nous faire payer le prix d’un album, autant que ce soit pour des chansons en bonne et due forme et pas seulement les idées de leurs créateurs, vaguement jetées sur un magnétophone. Le disque ne faisant qu’une demi-heure, il ne reste finalement que 25 minutes finalisées, et sur ces 25 minutes, huit sont occupées par un seul morceau, First Time I Saw, clef de voûte imparfaite de ce Chops. On se retrouve avec à peine un Ep, où les quelques perles se trouvent noyées dans ce remplissage incompréhensible. Il reste des instants de grâce comme sur Circus Time et Surf Rage, mais rien qui ne vienne justifier l’existence de ce disque honteusement anecdotique de la part d’un compositeur habituellement si talentueux.

The Knife - Silent Shout

        C'est toujours quand on pense avoir tout écouté, tout entendu que l'on tombe sur une musique qui réveille notre curiosité, qui titille nos sens, qui s'immisce dans notre discothèque quotidienne sans forcément faire beaucoup de bruit mais avec une flagrante efficacité. Ce début d'année 2006 fut très riche en disques de grande qualité et en découvertes enthousiasmantes, le troisième album du duo suédois de The Knife étant peut-être le plus électrisant du lot. Pourtant, lorsque l'on expose le "concept" autour de Silent Shout, il y a de quoi rester perplexe. Un disque d'electro dans son aspect le plus basique, voire le plus daté, où ce qui compte avant tout est la manière dont les rythmiques techno-disco vont s'amouracher des bruitages électroniques et de la voix toujours déformée de la chanteuse Karin Dreijer Andersson. A priori, ça n'a rien de très engageant, même si, précisons-le, comme The Fiery Furnaces, le duo de The Knife est familial, la musique étant composée par Olof Dreijer, le frangin de la première citée. Et oui, un tel détail peut être un gage de qualité, ou du moins intriguer davantage l'auditeur "people".

        Et ne l'épargnons point plus longtemps, notre lecteur/auditeur favori et lançons-le au coeur de Silent Shout, par exemple directement sur la piste 4, We Share Our Mother's Health. Des "bips" et des "blips" rebondissent dans les enceintes avant de former une curieuse base rythmique qui s'épanche en une irrésistible mélodie de "GameBoy" schizophrène. Lorsque la voix de Karin surgit, on sait que chez The Knife on a depuis longtemps perdu de vue les bornes du grotesque et que l'on oeuvre définitivement "ailleurs". A tel point que parfois on pourra se croire face à une musique déjantée de film d'horreur très conceptuel ou carrément dans une partouze de morts-vivants, comme sur le génial et purement jubilatoire One Hit ("Oh oh oh oh, wooo wooo wooo wooo"). Ce qui permet d'évoquer le plus grand paradoxe de Silent Shout, celui d'être un disque plutôt sombre, voire glauque, tout en demeurant hautement et volontairement léger et comique.

        Le clip du premier single et chanson éponyme, Silent Shout rappelle les expérimentations de Chris Cunningham pour Aphex Twin et c'est bien d'Aphex Twin qu'il s'agit ici car l'on pense plus d'une fois à l'humour aussi sordide que burlesque du créateur de Windowlicker. On oscille donc entre un premier degré pleinement affirmé comme sur ce Silent Shout d'ouverture particulièrement envoûtant, ou un second degré totalement inattendu, comme lorsque la belle errance "ambient" de The Captain se drape d'accents japonisants incongrus. Sur cet album, aucun morceau ne ressemble à celui qui l'a précédé, et la liberté de ton de The Knife ne cesse de ravir. Le duo se permet tout et même franchement n'importe quoi, de la berceuse aux dents aigues de Na Na Na à une chanson presque normale telle que l'entêtant Marble House qui s'effondre doucement sur l'un des refrains les plus accrocheurs de ce début d'année. On croisera même de la sensualité perverse au détour d'un From Off To On et un final digne d'un train fantôme où le frère et la soeur entament un duo aussi terrifiant que touchant.

        L'oeuvre de The Knife ne ressemble VRAIMENT à rien d'autre et risque de laisser plus d'un auditeur pour le moins dubitatif. C'est pourtant sur Silent Shout que l'on peut se régaler de la musique la plus bizarre, la plus créative mais aussi peut-être la plus jouissive de ce début d'année ; une bande son idéale pour danser, rire, se faire peur, s'amuser, s'interroger, s'abreuver de sensations extraordinaires.

Liars - Drum's Not Dead

        C'est la grande sensation du moment, les Liars, sympathique groupe de trublions ayant débuté sa carrière par un album de punk-pop bondissant avant de virer complètement de bord pour un second disque abstrait et bruitiste pas totalement maîtrisé, nous reviennent avec un monument sonore qui ne ressemble (presque) à rien et qui vient inonder nos enceintes par ses vagues électriques ombrageuses. Le menu est ambitieux, le résultat n'en est pas moins tétanisant, car au-delà de l'expérience auditive, Drum's Not Dead se présente sous la forme d'un concept-album laissant la parole à deux personnages antagonistes et complémentaires, le timoré et mélancolique "Mt. Heart Attack" et le vindicatif et sûr de lui "Drum".

        Dès l'ouverture du disque (Be Quiet Mt. Heart Attack) on saisit l'ambiance. Des accords lointains de guitare électrique comme canevas, avec quelques bidouillages de production pour attirer l'oreille, on n'est pas très loin de, comme toujours, My Bloody Valentine ou les Flaming Lips (nous y reviendrons). Puis surgit la rythmique, l'élément clef de l'album, toujours très en avant, parfois martiale, souvent tribale, les percussions veulent en découdre. La voix quant à elle, bourrée d'échos, sera presque toujours distante et pourtant enveloppante. Le crescendo de ce premier morceau enchaîne directement sur la claque de Let's Not Wrestle Mt. Heart Attack, un choc sonore voisin du Riding To Work sur le Zaireeka des Flaming Lips. Ici le son de guitare rappelle... un digeridoo et le chant est assez similaire à ce que l'on a pu parfois croiser chez Animal Collective, ce qui donne une bonne idée du maelstrom qui englobe l'auditeur, un tsunami toujours transcendé par l'omniprésence des rythmes sauvages. On est cloué sur son siège, et ce n'est que le début.

        Sur le morceau suivant, le personnage de Drum est introduit par de glorieuses percussions et une atmosphère menaçante qui s'évanouit sur le très planant Drum Get A Glimpse, dialogue entre Mt. Heart Attack et Drum, voisin musicalement aussi bien de Animal Collective dans son usage des voix que des Flaming Lips dans ses explosions de cymbales errantes. Les percussions tribales ressurgissent sur It Fit When I Was a Kid, sorte de musique techno primitive, hypnotique et inquiétante. L'étrange The Wrong Coat For You Mt. Heart Attack n'est pas sans rappeler certaines expérimentations des premiers Siouxsie and the Banshees (A Kiss In The Dreamhouse en particulier) et Hold You, Drum lorgne sur la splendeur passée d'un Aphex Twin en plein Selected Ambient Works 2. Entre onirisme et transe, les Liars créent un paysage sonore captivant, qui déroute et surprend sans cesse.

        Un nouveau choc nous attend au tournant, après l'instrumental It's All Blooming Now Mt Heart Attack, car Drum and the Uncomfortable Can est un formidable trip abstrait, dont la longue introduction conquérante n'est que l'arbre qui cache la forêt. Pas la peine de vous en faire la description, tentez donc l'écoute, vous saurez très vite si cette musique vous parle ou vous révolte. Après un petit interlude flottant, les Liars en finissent avec le personnage de Drum sur le lancinant To Hold You, Drum, avant de se fendre d'une ballade de conclusion, l'étrangement apaisé et angélique The Other Side of Mt. Heart Attack. Ainsi s'achève Drum's Not Dead, l'album dont vous entendrez forcément parler en 2006, à la fois élitiste et propre à apporter de nouvelles perspectives à un plus large public. On se dit qu'une petite révolution ne demande qu'à surgir des élucubrations des Liars, leur croyance en un rock en perpétuelle mutation intrigue et séduit, car cette musique n'est jamais inaccessible ou inécoutable (même si pour certains elle semblera facilement entrer dans les deux catégories). Et on se dit avec une quasi certitude que les Liars n'en sont qu'au balbutiement de leurs recherches et que la suite de leur carrière sera tout aussi passionnante.

Jens Lekman - Oh You're So Silent Jens

        Jens Lekman est un romantique. Que dis-je ? Un Romantique, avec une belle et grande majuscule, un écorché vif tout entier drapé dans la politesse du désespoir. Parfois, Jens Lekman chante exactement comme Morrissey, les mêmes intonations, la même emphase, le maniérisme un peu distant, tout en alignant des paroles déchirantes, ironiques, élégamment déprimées ou franchement désespérées. Car Jens Lekman n'a pas de petite amie et son Oh You're So Silent (compilation de singles et autres morceaux égarés de son oeuvre) est une vaste lamentation sur le sort des célibataires ultrasensibles. Il y a donc facilement de quoi se moquer dans les textes de ses chansons, en particulier lorsque l'auteur s'épanche dans le lyrisme adolescent ("If you don't take my hand, I'll lose my mind completely, madness will finally defeat me") ou dans la candeur la plus totale ("Oh Julie, meet me by the vending machine. Oh Julie, I'm gonna buy you a wedding ring.").

        L'un des plus remarquables tours de force de cet album est donc de parvenir à transformer des clichés du discours d'amoureux transis en de merveilleuses chansons, d'une douceur, d'une élégance mélodique, d'une beauté à la fois sophistiquée et vaporeuse, que l'on ne peut que succomber à leur créateur. Il peut ainsi tout se permettre, le festif A Sweet Summer's Night On Hammer Hill, des ballades aussi suaves que Sky Phenomenon ou la reprise du Someone To Share My Life With des cultissimes Television Personalities (peut-être le plus discret des plus grands groupes du monde). Lekman invente la machine à remonter le temps parfaite avec l'extraordinaire Maple Leaves et nous revoilà dans les 60's charmeuses ("She said it was all make believe. But I thought she said maple leaves."). Plus tard on le retrouve ludique (avec des accents de Will Oldham dans la voix) sur le vibrant Pocketful Of Money ou dans le quasi silence éthéré du fragile Another Sweet Summer's Night On Hammer Hill (qui va donner des frissons à certains d'entre vous).

        Notre dandy suédois ne semble pouvoir composer que des perles, vu que les cordes de Rocky Dennis' Farewell Song ou la version celtico-folk de Julie sont aussi des sommets admirables. Mais le chef-d'oeuvre du disque serait peut-être le glorieux Black Cab, un récit de solitude dont le verbe coupant ("You don't know anything, so don't ask me any questions. Just turn the music up and keep your mouth shut") se trouve contre-balancé par la classe infinie de la musique. Trop gracieux Oh You're So Silent Jens pourra paraître mièvre à certaines oreilles, peu habituées à une telle affectation musicale. Permettez-moi de plaindre ces conduits auditifs qui ne parviendront pas à apprécier le lyrisme épidermique de Jens Lekman et son talent frappant pour créer des bouquets de mélodies à faire se pâmer le plus endurci des coeurs. Dans un monde idéal, ce disque mériterait le même succès que le Sufjan Stevens de l'année passée, cela semble possible, on va croiser les doigts, doucement, aimablement, le petit suédois nous fera tous fondre.

Grandaddy - Just Like The Fambly Cat

        Ceci est le dernier album de Grandaddy, tout autant le dernier en date que l'ultime opus du groupe qui vient juste d'annoncer sa séparation. Difficile de rester objectif, lorsque, comme moi, on a tant aimé la musique de Jason Lytle, même si à l'écoute de ce disque on comprend aisément ce qui a pu motiver la séparation de Grandaddy. En effet, Just Like The Fambly Cat incarne ce que l'on craignait finalement depuis l'aérien Sumday : une stagnation définitive et une exploitation jusqu'à épuisement des recettes qui ont fait tout le charme du groupe.

        L'introduction avec What Happened To The Fambly Cat est pourtant du meilleur tonneau et laisse espérer le retour des grandes émotions qui submergeaient l'insurpassé The Sophtware Slump, en particulier parce que l'enchaînement sur l'énergie monstrueuse de Jeez Louise rappelle les grandes heures de The Crystal Lake ou de Now It's On. Mais dès Summer It's Gone, on comprend le problème : on connaît déjà tout cela par coeur. Le moindre break, le moindre effet électronique décalé, le moindre riff, la moindre ondulation de la voix de Jason Lytle. Bien sûr, le charme n'a pas totalement disparu, on ne devient pas du jour au lendemain un has-been lorsque l'on a tant tutoyé les cieux. Mais si dès le sixième morceau, le pourtant assez nerveux Rear View Mirror, on commence à s'ennuyer, il y a de quoi s'inquiéter. Car l'album est de surcroît assez (trop ?) long et que la redite se ressent parfois d'une chanson à l'autre, comme c'était déjà le cas sur le Ep Todd Zilla. Le remplissage n'est d'ailleurs jamais loin non plus, comme avec le plombant mais redondant The Animal World ou l'instrumental rigolo mais franchement inutile Skateboarding Saves Me Twice.

        On a ainsi parfois l'impression que Jason Lytle fait le grand déstockage avant fermeture, ce qui renforce l'aspect dépressif d'un disque qui semble pourtant nettement moins mélancolique que les trois albums précédents, comme le prouve le petit interlude punk de 50%. Mais la fin de l'oeuvre s'embourbe très souvent, comme avec les indigents Where I'm Anymore, Guide Down Denied ou Campershell Dreams. Grandaddy a cependant de beaux restes et on tombera facilement amoureux du ludique Elevate Myself et du sympathique Disconnecty. Enfin on appréciera que le meilleur ait été gardé pour la conclusion, car This Is How It Always Starts et la coda de Shangri-La sont les plus gracieux instants du disque. Même si là encore l'impression de déjà connaître tout cela sur le bout du tympan est omniprésente. Just Like The Fambly Cat apparaît donc comme un testament bancal, enluminé de quelques vestiges des trésors d'antan, mais comme dépouillé de l'âme qui faisait de Grandaddy l'un des groupes les plus essentiels de son époque.

Girls Aloud - Chemistry

        Alors, voilà, c'est une histoire incroyable et pourtant on me demande de me pencher sur ce tissu de sornettes, d'aller vérifier par moi-même, de faire une nouvelle fois don de ma personne pour le progrès de la recherche musicale, bref de vous confirmer que, oui, non, vraiment, la Real TV ("télé réalité" in French) aurait donné naissance à un bon groupe. Rien que de l'écrire, on frémit, on s'indigne, on lutte de toute sa raison contre une possibilité aussi peu envisageable. L'émission "Popstar" de nos voisins britanniques aurait permis la formation du meilleur "girls group" depuis... euh... All Saints ? Les Spice Girls ? Disons plutôt les Sugababes, le plus grand des produits sonores féminins de ces dernières années. Bref. Girls Aloud, on me l'a dit : c'est bien.

        A priori, non, ce n'est pas bien, nous avons là cinq bimbos, pour certaines vraiment sorties d'un catalogue de vente par correspondance quelconque, cinq demoiselles réunies par l'amour de la musique, une flopée de producteurs sans scrupules, un marketing titanesque et la "magie" de Star Academy du coin. La réussite (commerciale) est à la clef, car Chemistry est déjà leur troisième album, il doit donc y avoir un minimum d'efficacité derrière la chose, n'en doutons point.

        Cela débute d'ailleurs plutôt bien avec l'amusant Models qui nous fait revenir une bonne décennie en arrière du temps où tout le monde "wannabe their lovers". Ça continue encore mieux avec le très sympathique single Biology et le très correct Wild Horses, mais dès que survient la grosse ballade bien gluante, See The Day on commence à sortir de l'album. On a déjà entendu cela combien de fois avant ? Les restes proposent pourtant quelques petites perles à l'image du vindicatif Watch Me Go, le très rythmé Waiting, l'impressionnant Swinging London Town et l'amusant Racy Lacey. Chemistry s'avère donc au final loin du chef-d'oeuvre, et sans doute pas franchement impérissable, mais hautement sympathique et définitivement d'un tout autre niveau que ce que la Real TV & co a pu nous proposer jusqu'à présent, en France en particulier où l'on n'a jamais croisé un tel degré d'exigences musicales pour vendre un produit aussi calibré.

Boris - Pink

        Que se passe-t-il lorsque votre groupe de rock favori se prend les doigts dans la prise du 220V ? Que peut-il arriver lorsque l'on joue de la guitare électrique sous la pluie ? Pourquoi est-il déconseillé de frotter ladite guitare contre un ampli de 25000 Watts ? Tout simplement parce que dans tous les cas le résultat pourrait bien ressembler au nouvel album des quasi vétérans du métal expérimental que sont les japonais du groupe Boris. Ne vous fiez pas au patronyme presque mignon de leur Pink, on vous dira que c'est leur oeuvre la plus abordable, mais tout est relatif... Si vous n'avez jamais goûté aux délices des premiers opus d'Hüsker Dü ou aux errances les plus conceptuelles de Mayhem, ce n'est même pas la peine de vous approcher de ce disque, le morceau d'ouverture consistant en 7 minutes 30 secondes de larsens et autres vagues électriques sur un bon gros rythme lancinant hérité de Black Sabbath.

        Ensuite, l'Enfer (pour les fans des Smiths) ouvre ses portes. Et badaboum, et badabang, on hésite entre "hardcore", "speed métal" et autres joyeusetés aux noms pittoresques qui font la joie des experts en "thrash atmosphérique symphonique". Certes, ici, rien de symphonique, mais juste un déchaînement cathartique de riffs bourrins, de batterie épileptique et de solos de guitare dont on ne sait s'il faut les prendre au premier ou au second degré. Le seul élément sans doute immédiatement comique consistant en la voix, celle d'un pauvre petit minet qui ne parvient que difficilement à s'extirper de ce fouillis auditif et qui donne l'impression par instant d'entendre le chanteur de Green Day pris au piège d'un savant fou adepte de la torture sonore.

        Malgré quelques changements rythmiques comme sur le plus "planant" cinquième morceau, qui pourrait presque évoquer certains instants inoubliables du Spiderland de Slint, Pink est un disque extrêmement répétitif et l'on est rapidement en peine de distinguer qui est qui et où est quoi. Étrangement, des plaisirs surgissent parfois, là où on les attend souvent le moins, comme sur le toujours aussi violent morceau final où l'on devine une mélodie, et son épanchement de conclusion n'est pas sans rappeler les véléités onanistes les plus charmantes de Sonic Youth. Néanmoins, Pink est à réserver aux oreilles averties (qui doivent en valoir au moins deux), car ses nuances se dissimulent derrière un mur du son difficile à percer et une énergie relativement étouffante.

Belle and Sebastian - The Life Pursuit

          Peu de groupes actuels peuvent se vanter d'avoir une carrière d'une qualité aussi constante que celle du groupe de Stuart Murdoch. En variant des détails sans jamais perdre l'essentiel, Belle and Sebastian emballe la plus légère et la plus belle des musiques "pop" depuis une décennie. Sous une très fausse simplicité et des échos à présent de plus en plus lointains de grands anciens, tels que les incontournables Smiths, le groupe ne s'est (quasiment) jamais arrêté en chemin et se renouvelle sans cesse. Après la production spectaculaire de Trevor Horn sur Dear Catastrophe Waitress, The Life Pursuit se fait plus humble dans son écrin sonore, pour mieux se focaliser sur les mélodies et surtout sur les textes, The Life Pursuit nous parlant de foi et de quêtes existentielles (voire de pertes existentielles) avec autant de discrétion que de force.

        Lorsque l'on écoute cet album pour les premières fois, on ne retient sans doute que les thèmes accrocheurs, les refrains irrésistibles, les perles du calibre du sublime Another Sunny Day qui ferait pâlir de jalousie aussi bien Lennon que McCartney. Ces mélodies sont en fait là pour nous pousser à revenir auprès du disque, l'écouter, le réécouter, de loin, puis de plus en plus près, jusqu'au moment où l'on viendra se pencher sur les atmosphères, sur les textes, et où l'on comprendra que Belle and Sebastian est bien plus qu'un divertissement luxueux. The Life Pursuit déborde d'âme et il n'y a pas besoin d'être un critique perspicace pour ressentir toute la délicatesse d'un Dress You Up (et son solo de trompette juste divin), l'ironie pétillante de Sukie In The Graveyard, le débordement bondissant de We Are The Sleepyheads, la perfection du single Funny Little Frog, la grâce bancale de Act of the Apostle II et la bienheureuse béatitude de For The Price of a Cup of Tea qui s'épanouit dans la mélancolie insondable de Mornington Crescent.

        On pourra aisément affirmer que The Life Pursuit résonne comme le plus maîtrisé et le plus admirable album de Belle and Sebastian depuis leur chef-d'oeuvre fondateur If You're Feeling Sinister, comme l'apothéose provisoire d'un style qui ne cesse de se métamorphoser tout en demeurant immédiatement familier, inévitablement proche, entre enthousiasme d'une éternelle jeunesse et cicatrices du temps qui passe.