Prenons exemple sur nos camarades des Inrockuptibles et n'hésitons pas à réparer les oublis du passé en classant un disque sorti en 2003 mais pleinement découvert cette année. The Dresden Dolls est un groupe extrêmement théâtral, dont le concept est de faire revivre l'esthétique des cabarets allemands des années 20 et 30, avec une dose de décorum gothique et une bonne rasade de punk déjanté. Le résultat se veut un genre tout nouveau tout pas beau : le cabaret punk. Le duo tourne essentiellement autour de la vindicative Amanda au chant et au piano et du dégingandé Brian à la batterie. Les autres instruments traditionnels du rock devenant accessoires, voire superflus. Le résultat est particulièrement évocateur, et l'écoute de leur premier album donne l'impression d'assister à un show à mi-chemin entre Freaks et Loulou.

        L'ouverture de Good Day, avec sa boîte à musique et son piano triste est totalement représentative des Dresden Dolls, le chant d'Amanda, d'un calme enfantin explosant soudainement en une rage acide est bien sûr l'ingrédient essentiel. Totalement investie dans son rôle de malade psychiatrique traînant ses guenilles au début du 20e siècle, voire dans les rues sordides du Whitechapel de Jack l'Eventreur, la chanteuse surjoue chacune de ses interventions avec autant d'humour que de conviction. Une fois le décor posé, les Dresden Dolls peuvent presque tout se permettre, comme d'emballer un missile hardcore avec un piano à la place des guitares saturées (le jouissif Girl Anachronism). Mais là où le groupe devient franchement génial c'est quand il assume totalement sa volonté de faire revivre les chansons "réalistes" des années 1900, en particulier sur Missed Me et sur le chef-d'oeuvre de l'album : Coin-Operated Boy. Sur un air de boîte à musique, et un piano sautillant, Amanda élabore un personnage de femme-enfant déçue par les hommes qui préfère construire son propre amoureux parfait sous forme d'automate. D'abord amusante, l'histoire devient peu à peu touchante, un peu voisine de celle de May au cinéma, ici la performance vocale ne cesse d'impressionner, la palette d'émotions de la chanteuse semblant infinie.

        Sur la longueur du disque, les Dolls tournent parfois un petit peu en rond, même si toutes les chansons demeurent impressionnantes grâce à l'originalité du son et à la performance toujours passionnée d'Amanda. Il faut l'entendre porter à bout de voix une chanson telle que Half Jack, qui en d'autres cordes auraient pu devenir une vilaine ballade hard-rock comme MTV en diffuse des dizaines chaque jour. Sur la fin, les morceaux se font un peu plus pesants, The Perfect Fit, Slide et l'écrasant Truce se ressemblant un peu trop. Heureusement, sans doute conscients de limiter leur son, les Dresden Dolls osent une perle pop presque incongrue avec le très amusant The Jeep Song, qui prouve que par-delà son imagerie grandiloquente, le groupe possède un plus vaste potentiel. C'est sans doute là que réside les plus essentielles différences entre The Dresden Dolls et la majorité des groupes vaguement punks, pseudo gothiques : ils ont de l'humour et un véritable talent musical. Si Amanda et Brian ne se laissent pas enfermer dans leur imagerie et ne cèdent pas aux facilités qui les guettent, l'avenir des Dresden Dolls risque d'être enthousiasmant.

Les Fiery Furnaces auront été doublement présents en 2005 : d'abord en offrant leur disque le plus abordable (la compilation de singles : EP), puis leur oeuvre la plus expérimentale et exigeante (le très conceptuel Rehearsing My Choir). Accueilli plus que froidement par la critique et les auditeurs, Rehearsing My Choir est pourtant l'expérience musicale la plus étonnante de l'année : une suite de récits, essentiellement les souvenirs de la grand-mère de Matthew et Eleanor, mis en musique de façon à coller au plus près des ambiances et événements décrits. Le résultat décontenance, tant l'on est très souvent plus proche de la musique concrète que de la pop, et l'on aura beaucoup reproché aux Fiery Furnaces d'avoir échoué là où ils avaient si bien réussis avec Blueberry Boat, c'est à dire parvenir à rendre accessible leurs expérimentations et leur imagination débordante. Ici, les bidouillages de Matthew oublient les mélodies en chemin, et la voix magnifique d'Eleanor est mise au second plan. Certes, la narration de la grand-maman Olga est souvent passionnante, drôle et surtout très émouvante, mais l'emballage sonore nous éloigne du texte par son foisonnement délirant. Rehearsing My Choir ne se révèle alors qu'après de multiples écoutes attentives, qui permettent peu à peu d'entrer dans cet univers et de découvrir enfin un véritable trésor, follement novateur, évocateur et nostalgique. Malheureusement, peu d'auditeurs auront le courage de se pencher à ce point sur une oeuvre à mi-chemin entre tous les genres musicaux, qui ne ressemble à rien d'autre et qu'il sera très facile de remiser au fond d'un tiroir. Si les Fiery Furnaces ont pêché, c'est bien par excès de confiance en leur capacité à transmettre leur vision musicale unique. Mais nul doute que leur prochain album, annoncé comme "très accessible" viendra leur redonner la place qu'il mérite au sein du rock actuel (c'est à dire la première).

        Par ailleurs, le recueil EP propose quant à lui le portrait le plus immédiatement séduisant du groupe. Avec des chansons totalement pop et irrésistibles telles que Here Comes The Summer, Tropical Ice-Land ou Sweet Spots, les Fiery Furnaces prouvent s'il en était encore besoin, qu'ils savent vraiment tout faire. Et pour les néophytes ou les réfractaires, c'est encore sans doute par ce disque là qu'il faut débuter. On pourra y découvrir aussi bien des ballades bancales à la manière du délicieux Evergreen, des pièces plus complexes mais encore très charmantes comme Smelling Cigarette, des petits délires façon Duffer St. George, et même une mini fresque plus révélatrice de certaines ambitions du duo, la conclusion passionnante et ludique de Sullivan's Social Club. Non, cette année les Fiery Furnaces ne seront pas premier de mon top, mais peu importe, je les aime toujours davantage.

       Comment ne pas décevoir lorsque l'on effectue un retour terriblement attendu ? Plusieurs solutions s'offrent à vous, par exemple vous pouvez verser dans les trompettes et les annonces, la démesure et le bruit, clamer haut et fort que le voilà, il revient Albator, ou Ulysse, peu importe, car c'est un fait avéré, vous allez vous ramasser, comme Michael Jackson, comme les Sex Pistols, comme les Beatles "reformés", vous allez décevoir, voire vous prendre une bonne volée de bois vert, qui certes, justement, ne sera pas forcément volée. Kate Bush, qui nous avait abandonnés en 1994, pour accomplir une vie de famille des plus exemplaires, après un The Red Shoes de très sinistre mémoire, se retrouvait une décennie plus tard dans une situation pour le moins délicate. Ayant connu le succès très jeune et ayant offert quelques uns des disques les plus étranges, envoûtants et admirables des années 80 (en particulier The Dreaming et Hounds of Love), elle n'avait pas été oublié par ses nombreux fans et sa résurrection, sous la forme d'un double album, ne pouvait pas passer totalement inaperçu. Alors, comment ne pas trahir quand tout le monde s'attend à ce que vous ne possédiez plus qu'une valeur nostalgique ?

        Et bien en ne faisant aucune concession et en ne cédant pas à la tentation de "faire plaisir aux fans", en livrant un album exigeant, totalement en marge de la production actuelle. Kate Bush ne commet aucune erreur, aucune faute de goût, prouve que le temps n'a pas émoussé sa sensibilité ni son talent, et que, tout au contraire, sa vision infiniment poétique et très personnelle du monde s'est affirmée et affinée. Et la superbe pochette de Aerial, au sein de laquelle miss Bush n'apparaît que de manière fantomatique, est un monument de sobriété et d'ambiance audacieuse mais immédiatement évocatrice (les disques sont ornés de photographies de linge séchant au vent).

        Le premier de ces disques (A Sea of Honey) est un recueil de chansons, plutôt classiques selon les critères de la dame, qui ne renie jamais les sonorités qui ont fait le succès de ses précédentes oeuvres, mais en optant pour la discrétion, la retenue et la maîtrise, indispensables à la crédibilité d'un univers musical extrêmement riche, foisonnant de détails et d'arrière-plans quasi cinématographiques. Si cette première partie de l'oeuvre est aussi celle qui pourra le plus désenchanter certains auditeurs (à mes oreilles, seul le morceau Joanni est vraiment raté), elle réserve des instants de grâce immédiatement dignes des merveilles d'antan (la tension de King of The Mountain (dédiée à Elvis), le mystère de Pi (dédiée aux mathématiques), la tendresse de Bertie (dédiée à son fils), la rêverie sensuelle de Mrs. Bartolozzi (dédiée aux machines à laver et surtout à toutes les femmes ayant parfois du vague à l'âme (à toutes les femmes donc)), la perfection inquiétante de How To Be Invisible (dédiée aux fans de Kate), l'ampleur mélancolique de A Coral Room (qui annonce la seconde partie de Aerial)...)

        Le deuxième disque compose la description d'une journée, de l'aube jusqu'à la nuit, en une construction savante d'ambiances minimalistes. Du délicat Prelude (où le mélange entre la pureté des sons et la voix du fils de Kate Bush est quasi bouleversant, sans que l'on comprenne bien pourquoi) jusqu'à l'épique Aerial (voisin des grandes heures de The Dreaming), cette ode à la beauté du monde et de l'existence (nommée A Sky of Honey) tient du pur chef-d'oeuvre qui donne fréquemment le frisson. Si ce "ciel de miel" est une idéale musique d'ambiance, son écoute demande une véritable attention et il faut du temps avant d'en apprécier pleinement l'élégance exquise et la complexité de la composition. On pense parfois à de la peinture plutôt qu'à de la musique pop, tant Kate Bush raisonne selon les teintes, les textures, les dégradés, les nuances. Et c'est ainsi, dans cette subtilité qui n'appartient qu'à elle, que la dame peut se permettre des audaces qui chez d'autres seraient immédiatement ridicules, en particulier les nombreuses interventions de chants d'oiseaux au sein de la musique.

        Aerial se découvre, peu à peu, en tant qu'humble ode aux détails du quotidien, aux plaisirs simples, à l'émerveillement face aux nuages ou aux arbres, à la joie intense d'être heureux auprès de ceux que nous aimons, d'être ravi de passer nos soirées à leurs côtés, de partager ce monde avec eux. Disque de mère, de femme et de poète qui se rêverait invisible pour mieux tout connaître de cet univers qui n'a jamais cessé de l'émerveiller, Aerial s'évade des cadres critiques habituels pour toucher à ce qu'il y a de plus secret en nous et de plus universel dans cette intimité, le petit lien du coeur qui nous rapproche, cette fragile conscience du bonheur, cette impression fugitive de ne parfois faire qu'un avec tout ce qui nous entoure.

Et le voilà, le numéro un de l'exceptionnelle année musicale 2005, le premier des grands coups de coeur de votre serviteur et au final de loin le disque que j'aurai le plus écouté ces derniers mois. Pourquoi le plébiscite d'un album de facture finalement fort classique ? Parce que dans son aspect franc du collier, direct, décomplexé, The Woods est la quintessence du rock tel que je l'adore : une batterie qui cogne comme les Titans aux portes du Tartare (par exemple sur l'ouverture, The Fox), une guitare en cavale, au bord de la folie (sur What's Mine Is Yours) ou carrément déversant les torrents de l'Apocalypse sur Let's Call It Love, et bien sûr la voix de Corin Tucker, qui porte les échos de presque toutes les grands Dames du genre (de Patti Smith à PJ Harvey en passant par Siouxsie Sioux). Le tout, emballé dans la production superlative de Dave Fridmann, n'a d'autres prétentions que de secouer nos sens. Mais de la musique sensorielle, il y a en a eu beaucoup en 2005, c'est pour cela que Sleater-Kinney va un tout petit peu plus loin que tous les autres, en ajoutant une savante dose de paroles inoubliables, que ce soit la suicidaire de Jumpers, la maniaco-dépressive de Modern Girls ou le crescendo passionné et tétanisant de Let's Call It Love.

        Le rock'n'roll, en résumé, en intraveineuse, dans toute sa tension érotique voire la plus indécente. Car c'est bien d'orgasmes qu'il s'agit quand surgit le solo de guitare de Jumpers ou le "refrain" de Let's Call It Love, un orgasme résolument féminin pour ce dernier, douce progression vers l'extase qui se poursuit et se décante sur sept minutes d'électricité délicieuse. La sensualité de The Woods est plus violente que celle du Aerial de Kate Bush, pourtant les deux oeuvres semblent complémentaires, parvenant à offrir une bande son adéquate pour chaque humeur, que l'on ait envie de douceur ou de griffes saillantes. Amour et sexe se ressentent aussi bien chez Kate Bush que chez Sleater-Kinney, avec moins d'évidence bien sûr, que dans des musiques qui abordent plus directement les plaisirs physiques, et pourtant la spiritualité de l'une et la rage des autres se répondent et s'enrichissent mutuellement. Et avec ces deux disques, c'est une vision des sentiments (ou plutôt une audition) d'une véracité rare qui incarne au mieux l'exceptionnelle intensité de l'année musicale 2005.